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水戸芸術館で行われている田中功起さんの「共にいることの可能性、その試み」を観に行きました。噂ではビデオ作品で観るのに非常に時間がかかるということだったので、ある程度の余裕を持って行ったつもりだったんですが、結果５時間観ても全ては見れませんでした。チケット的には１回買うと３回入れるというチケットだったので、何回か行けばいいのですが、いかんせん水戸・・・。遠いので３回もいけないので、頑張ってみました。と言っても、飽きるというようなことは全くなく、５時間も美術館で一つの展覧会を観たのは初めての経験だったんですが、最後まで楽しく閉館にならなければまだ見れたと思います。
基本的な部分はヘアカット以降の田中さんの作品の流れの中にあって、１つの作業を通常やらない人数で共同作業を行うことで、そこに立ち上がってくるコミュニケーションと人々の差異に個人ではない複数の人間となったときに考えるべきものを捉えるというようなものでした。しかし、今回は単純に１つの共同作業を自分の分野の中で行うわけではなく、６日間の共同生活という場に一般応募の人々を置くことでより社会に近い環境をつくりそこに立ち上がってくるものを見るという作品になっていました。そのほかにも「ピアノ」と「陶芸」の過去作品があるんですが、今回これについてはそれほど深く触れません。「ピアノ」は共同作業の成功、「陶芸」は共同作業の失敗という結末なんですが、特に結果は関係ないのかなと思ったりもします。
今回の作品は、展覧会場に入るとルートは自由であり好きな順序でみるということになります。手前にあるものを飛ばして奥までいくということは通常しないので大体の順序は決まると思うのですが、たしかにみる順番としてはあまり気にしなくてもいいかもしれません。（比較的奥の部屋にあるインタビューはまあ前半に見ない方がいいと思いますが、流れでみれば特に問題ありません）一見、和気あいあいと「料理」や「陶芸」を楽しんでいるように見えたり、多少掴みづらい「朗読」や「社会運動にまつわるワークショップ」などや、白熱したがタイムアップになってしまう「ディスカッション」があるんですが、それぞれの中に思いがけない何かが潜んでいたりして、そこに至るまでのコミュニケーションのありかたが社会を映すという試みだったように思います。
単に一つの作業から複数作業に変化させて社会を映しだそうとして、作品が変化した部分が２つあるように思えました。１つ目は、今までルールとして存在していた田中さんが結構画面に出てくることでルールではなくなっている気がしました。２つ目は、行った結果をフィードバックする形で「インタビュー」というコーナーがありそこで撮影や音響を含めた主要スタッフが全てインタビューを受けていることが変化していました。
今まで田中さんが画面に出ないことで、暗に社会になっていたというか、何も言わないにせよルールであったと思うのですが、今回は画面に現れルールではなく、少し上の立場の人間程度の感じで存在していたことが驚きでした。６日間という時間の中で作品としてまとめるにはルールが必要だったのではないか？と思いましたが、今回は社会が立ち上がるかどうかもあったのでそのようなことになっていたのかもしれませんが、これが作品を複雑化させていたように思えます。
また、「インタビュー」は今回の作品の中でかなり主要なコーナーでここで個人個人がどのような感情であったか、どういうことを考えているかが語られます。もちろん参加者のインタビューでこの瞬間はこういうことを考えていたとか、こういう風に捉えているとかわかるので、面白いし重要なのですが、撮影の藤井さんのコメントがいろいろ作品の核心をついていたようにも思えます。
今回の作品では、おそらく社会の立ち上げには失敗していて、社会のような今回だけの特殊なシミュレーション環境が立ち上がり、それがいい悪いではないのですが、「社会の方は現代美術というものへの接続は必要としていないが逆説的に現代美術が社会を必要としていることがわかった」というような趣旨の藤井さんの言葉がこの作品をあらわしているようにも思え、今回のキーマンはインタビューをしていたアンドリューさんと撮影をしていた藤井さんなのではないかとインタビューパートをみながら思いました。
とにかく、今までは１つの作業だった共同作業から、複数の作業が絡み合い共同生活へと変化した田中さんの作品は、これからより複雑化し少人数やシミュレーション内での平和や理想を実現する／実現に失敗するという作品になっていくのか、それとも単純化し別の方向になるのかこれからが楽しみです。日本の現代美術でとても重要な作家である田中さんの個展なので、これは必見だと思います。できれば６時間くらいはみた方がいいと思うけど、まあ最低でも３時間くらいは必要な気がしました。ちょっと長いからこればっかりはどうにかならないかな。苦笑。
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個人コレクション周辺が最近いろいろ賑わっている。いくつかのファッション系の社長さんとかがかなりのコレクションをしていて公開していたり、海外でも個人コレクションの美術館的なものができたりとか。
そんな中、村上隆さんのコレクションが横浜美術館で公開されています。そしてそれがもう世界レベルのコレクションなわけです。大まかに分けて現代美術と骨董と現代生活陶芸の三本柱という感じのコレクションで、絵画等で近代以前のものは日本のもの（白隠とか）しかないという感じでした。
トークショーを聞いてから、展覧会を見たのですが、見るだけではわからないことも沢山あったり、赤裸々にコレクションの値段とかを話したりしてくれたので、非常に面白かったです。村上さんレベルになると、自分の好みを理解するために沢山買ってみるというような方法を取っていてすごいなと。この展覧会に出す予定の作品も最初は400点くらいの予定だったようなのですが、結果的には1100点くらいというものすごい量の展示になっています。
骨董は日本の国宝レベルのものもあったりするんですが、今日本の名品と言われるものは価値が下がってきているそうなので昔よりは買いやすい値段になってきているそうです。しかし、それでもお金があれば買えるというわけではなく、いろいろ騙されたり盛られたりしながら、売ってもいいかな？というところに来たそうです。それが北大路魯山人旧蔵の茶碗と鼠志野茶碗が並んで入口付近に展示されていて象徴しているようです。
それとある意味連続しているようなのが、現代生活陶芸で、桃居や坂田から、魯山やうつわ祥見やうつわノートあたりで色々な作家さんを買っているようで、この辺りはそれほどコレクション展には多く出品されていなかったですが、たくさんコレクションがあるそうです。この現代生活陶芸も文脈やその売り手の思想を買う部分があり現代美術と近いという部分があるようです。
そして圧巻の現代美術コレクションは入口すぐの巨大なキーファーや李禹煥の部屋があり、ジャン・ホアンの巨大なスフィンクスのようなライオンのような像も、ものすごく巨大でいきなりやられる感じです。そこから奈良美智さんの馬車のような作品に流れるわけで、それはもうすごいわけですが、大竹伸朗さんや中村一美さんなどがあったり、ジェフクーンズやダミアンハーストがあったり、とにかく国内外のトップアーティストの作品がありました。ヴェネチアビエンナーレでミカロッテンバーグが出していた作品があったり、来場者がPOPな人体像をスケッチすることで完成するデイヴィットシュリグリーの作品などもあり、インスタレーションまでコレクションしているというすごさがありました。（個人的には奈良美智さんの像の後ろにキムゴードンのプッシーガロアがみえるのが結構ツボ）
そしてMr.の作品があるのはわかるけど、指差し作業員や小泉明朗さんの作品があったのはびっくりしたり。基本的にKaikaiKikiギャラリーやHidariZingaroで見たいようなものは全てコレクションに入っているところが、売れなかったら買っているというのか？好きだから呼んでいるのか？というところもありますが、それもやはりすごいと思いました。
このコレクションをみて感じたところは現代アートは確実に抑えつつも、日本の古くからの骨董を持っていることや、現代生活陶芸を多く持っていることを含めて五百羅漢展で感じたサブカルチャーを通り越して古い日本との接続が見られるコレクションでありこの辺りが五百羅漢にも通じているところなんだろうなと思いました。
このグチャグチャとした大量のコレクションが全て並列であるかのように考えることがスーパーフラット考え方の一部であるということが非常にわかりやすかったような気がします。森美術館と合わせて２つの展覧会をみることで、それぞれの展覧会単体ではみれなかったあらたなものが見えてくるような気がしました。これほどのコレクションをみることはなかなかないので面白い展覧会です。
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Tags:村上隆, 横浜美術館
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ノーマンフォスターといえば、イギリスの建築家としてはNo. 1といっても過言ではない建築家で、もはやアトリエ系ではない大設計事務所を持っている建築家です。
そんなノーマンフォスターの展覧会がまさかの森ビルで行われるということで、見てきました。通常展望台として使われる部分を利用しての展覧会だったので、かなり観光的な興味のない人も混じってはいるんですが、それは森美術館同様のご愛嬌という感じで、展覧会のボリュームはかなりのものでした。
建築家・思想家であった、バックミンスターフラーと一緒にいたことが、初期のノーマンフォスターには大きな出来事で、その後、香港上海銀行から巨大なものも多く手がけている印象で、ライヒスタークの展望台、ガーキン、大英博物館のグレートコート、ミヨー橋、北京空港、ハーストタワー、最終的にはアップル本社をジョブスと作ったり3Dプリンタをつかった、宇宙での建築まで、とどまることない感じがすごいかったです。
展覧会ではそれらを含めた今までの有名作品の模型がたくさんで、ものすごいボリュームでの展示でした。ちょっとボリュームがありすぎて、建築好き以外はつらいかも？最後にはノーマンフォスターのTEDが流れているようですが、遅い時間帯にフォスター卿の建築術の映画が流れているのでそれもかなり面白いです。
実際のところ作風というのがそれほどわからないのですが、香港上海銀行、ハーストタワー、ガーキンは外から見ただけですが、構造をうまくやってるんだなという印象。北京空港や、ライヒスタークは実際はいってみて光や空間を広く使った気持ち良い空間という印象で、とても使いやすく、気持ちよく、流石の建築だなという印象です。巨大なものを気持ちよく巨大作れる空間の使い方の上手い建築家ですね。大英博物館のグレートコート行ってみたいな。
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Tags:Norman Foster, ノーマンフォスター, 建築, 建築家
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五木田智央さんの「THE GREAT CIRCUS」をDIC川村記念美術館で観てきました。
五木田智央さんといえば、個人的にはFLYING RHYTHMSをはじめとした、CDのアートワークやその他イラストなどを中心として、少しストリートよりのイラスト的なものを書いている人というイメージが強かったのだけれども、今回の展示をみて完全に画家というかアーティストであるんだなということを強く認識しました。
基本的にカラフルな色を使う人ではないとは思っていましたが、絵画もほぼモノトーンだけれどもそれで十分であると思わせるような多様の白と黒と灰色が存在していてあらゆるものをクールにまとめている印象です。筆のスピードや捌きや軽さ・重さが感じられてそれだけでものすごく魅力的な絵が展開されていてとにかくすごく好きな感じで良かった。
特に大きい人物絵画は素晴らしく、NYでも完売したのが頷ける完成度です。青い作品、滲んだ赤〜オレンジ〜黄色のような作品このあたりもグラデーションや滲みなんかで色々な表現を見せておもしろいのですが、もう一面としてストリート的な雰囲気のあるステンシルの作品や小さい絵画や写真のような雰囲気の絵画が組み合わさって一つの作品となっているものも別の面としてすごく良いです。
ストリート的な空気からクールな空気までモノトーンで一気に圧縮したような作品群がとにかく素晴らしく、何度でも見たくなるような展覧会でした。今後も五木田さんの展覧会あったら観に行かないとな。
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Tags:DIC川村記念美術館, Tomoo Gokita, 五木田智央, 川村記念美術館
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何かと話題な展覧会いってきました。東京オペラシティ アートギャラリー の「絵画の在りか」 展 です。
なんでこのメンツなのかなー？とか、展示の方法とか、微妙なことは色々な人の話から理解はできたが、まあ、そんなに悪くもなかったかなーと。
美術館があれをやったら謎だけど、一応アートギャラリーって名前だし（値段はわからないけども。）まあ、展示方法が悪くてデパートとか何とか展みたいな微妙さでしたし、個々の作家に深く入れないので勿体無いとか思いますけどね。
ということで、絵画の在りか展の感想としては、青木豊さん、今井俊介さん、高橋大輔さんが好きだったなぁ。個展があったら観たいなぁ。
という感じで、ライトなショーケースとしての感想が正しいのかなーなんて思いました。色々な作家がみれて楽しかったです。ちなみにこの位の作家さんなら、まだサラリーマンでも頑張れば買える値段ですよ。
あと絵画の在りかはよくわからなかったです。
Tags:オペラシティ アートギャラリー, 今井俊介, 絵画, 青木豊, 高橋大輔
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国立新美術館でやっているアンドレアス・グルスキー展を観てきました。森美術館で作品はみていたとはいえ、やはりこうやって個展という形でみると違いますね。かなり面白かったです。現代アートとして写真の作品を作っている作家さんですね。ベッヒャー派といわれる作家ですね。巨大な写真作品なんですが、そこには現実なんだけれども非現実的な世界が展開しているような写真を作っている作家です。
今回の展示はグルスキーのキュレーションで、作品は初期から最近のものまでそろっているのですが、時系列にならんでいるわけでもなくて順路も決まっていない部分があります。僕が考えるところ結構それはポイントかな？と思っていて、時系列に並ぶと画像の加工の技術やレベルみたいなものに意識が行くんじゃないかな？という印象がありました。その流れを断ち切るために自由に並べた気がします。画像加工の技術やレベルに意識が行ってしまうのはグルスキーとしては観て欲しい部分ではないと思うのですが、それでもやはりそういう技術とは切り離せない作家であると思うのです。どこまでもピントが合っている写真は大きく観ても細部を観ても面白いのですが、それは細かい加工の賜物かと思います。
コンピューター時代の写真だからこその画面の大きさと、エッジの立ち方をしていてこれが大きなポイントだと思います。このエッジやピントという点でいうとポロックの作品を撮ったものがキーの様に思えていて、あの作品だけが全体的にピントが合ってない気がしました。しかし、ピントが合ってないからこそ細部の奥まで意識が入って行けるような作品に見えました。あの、ポロックの作品の均一にピントが合っていない状態は杉本さんのアーキテクチャーの作品にも共通する抽象化する感じがあったり、見ている人間のピントが合わないという点ではリヒターの最近のストライプのものと共通する視覚の感じがあったのですが、グルスキーはそこから全体画面が均一にピントがぴったり合っている作品に向かった気がします。
ボケとは違うんですが、そういう抽象的な画面をバンコクのシリーズからも感じました。この作品に関しては大きく画面を見たときの方が何が写っているのかよくわからないというものになっていて、近くに寄ることでその実態がわかるというようなものになっていて、これがグルスキーの一つの作風なんだろうなと思います。人や物や何かが集まっていたりなど、何かの集合している状況を撮ったりする作品でも大きくみることと小さく見る両方を要求されているようになりますが、バンコクのような作品も同様でこれが全てに通じる部分なんだと思いました。
もちろん写真なんで動いている被写体を捉えている部分ではブレているんですけど、意図的にここを見てくれというようなボカしとかは無かったように思いました。それでこそあのエッジの立ち方で構成されるグルスキーの画面だと思いました。ポロックの作品以外で、このボケなんという点に注目すると、最後に別もののようにおかれていたV&Rの写真だけピントとボケが使われていたのが印象的でした。あれはファッションの写真だからそうしてあったのか？それとも新たな展開なのか？なかなか楽しみな終わり方をしていました。
それにしても、僕はそれほど気にならなかった警報音ですが、気になる人はいるだろうし、何で鳴ってしまったのか？どこで鳴っているのか？わかりにくいのが問題アリかと思います。あとセンサーに触れないように、作品名も読みにくいし・・・。でも、それ以上に気になったのがガラスの映り込みで、もうちょっと映り込まない反射の少ないものを使って欲しかった。映り込みが気になって色んな角度からみるっていうのも作品に入り込みにくかったし、見たい時に細部や全体が見えなかったり・・・。そうやっていろいろな所から見てもらうのが狙いとか、そういうのでデジタルな加工部分がわかりにくくなるんだとかだったらわかるんだけど。違う気がするし。映り込み少ないガラスがよかった。そういう意味では小さい作品は映り込みがなくて良いなーと思うのものが多かったです。
とにかくスゴく面白かったので、オススメです。こんなにまとまってみれるのは次はいつかわからないし。大きな写真っていうのもいいもんですよ。松江泰治さんとかと見たい気もしましたが、松江さんはあんなに大きくないしなー。
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Tags:Andreas Gursky, アンドレアス・グルスキー, ドイツ, 写真, 国立新美術館
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tate modernでダミアンハースト展を見てきました。これこそ現代アートなんだろうなというところを誰でも直感的にわかってしまうのではないかなという展示でした。生と死。宗教や医学や金など色々な物を現代美術としてうまく見せてもらえた気がします。ハーストが世界を席巻しているがわかったような気がします。
作品としては、日本にもきた牛の親子が２つになっているものや、その他のサメや羊など。スポットペインティング。薬の棚。タバコの作品。宝石の作品。蝶の羽で出来ている教会のステンドグラス。牛の首からハエが発生してそこで死んで行くものとか、蝶を完全に飼育できる状態にしている古いインスタレーションの再現とか、おそらくここでしか見られないようなものもありました。あと、多分値段が高すぎてイギリスから出られないんじゃないかと勝手に想像しているダイヤの頭蓋骨は別の真っ暗な空間を作って展示していました。
見た目だけで取っても全く無感情のようなものと感情剥き出しのような激しいものの２つに分かれていた気がするし、作品の背景を知るとより面白いと思えるので、まさに現代美術だなという感じがしました。日本でこれを出来る美術館はないんじゃないかなぁ？なんて思ったりしてしまう過激なところもある展示だったような気がします。
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